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Ils N'ont Rien Vu
from March 05, 2020 to March 11, 2020

Thomas Lebrun et ses interprètes s'inspirent librement d'Hiroshima mon amour, de leurs rencontres avec les hibakushas (les victimes des bombardements atomiques), de leur immersion dans cette ville d'aujourd'hui, pour interroger la transformation et l'effacement de la mémoire, et porter un regard aigu sur notre monde. Que reste-t-il d'Hiroshima dans la mémoire collective des jeunes générations ? Des fragments, des moments historiques, des souvenirs ? Les souvenirs d'un film, Hiroshima mon amour ? Les sons ? Les images ? Un récit ? Aujourd'hui, sur fond de mondialisation, de déferlement d'images en tout genre, de chaos permanent, comment se remémorer l'impact de ces basculements inouïs et en nourrir notre rapport au monde ? Tel est le point de départ de la création de Thomas Lebrun, un regard sur notre société où la rencontre des cultures et des pensées est noyée sous les vagues vertigineuses d'intérêts ou de combats aveuglés. Depuis maintenant trois créations, le chorégraphe interroge ce rapport du corps à la mémoire, l'écriture gestuelle ancrée dans l'organisme, comme une forme « d'absence à soi ». Cette fois, il va plus loin, en posant comme arrière-plan la question de la conscience, tout comme dans le film où la réalité atomique est peu visible à l'écran mais constante : « ils n'ont rien vu » de ce monde prêt à exploser. « Tu vois, de bien regarder… je crois que ça s'apprend ». Agnès Izrine Distribution / Crédits

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Le Dernier Appel
from June 10, 2020 to June 12, 2020

Dans le cadre de la Saison Africa 2020 Les chorégraphes Dalisa Pigram, Serge Aimé Coulibaly et six danseurs époustouflants de la compagnie australienne Marrugeku se penchent sur les sensibilités culturelles et politiques de la Nouvelle-Calédonie et de l'Australie. « La colonisation nous a façonnés. Défaire le passé est impossible », affirme Le Dernier Appel, une pièce inscrite dans le contexte particulier de l'histoire du Pacifique et de la décolonisation, qui porte une réflexion forte sur l'héritage culturel colonial. La compagnie Marrugeku est en elle-même un symbole de ce vaste territoire, de l'Australie et du Pacifique sud, et rassemble en son sein une équipe pluriethnique de danseurs kanaks, aborigènes, issus de l'immigration et anciens colons vivant en Australie et en Nouvelle-Calédonie. Pour cette pièce, les directrices artistiques de Marrugeku, Dalisa Pigram et Rachael Swain ont fait appel au chorégraphe burkinabé Serge Aimé Coulibaly. Ensemble, ils questionnent la disparition du mode de vie des anciens, l'impact du référendum d'autodétermination de 2018, et l'histoire des peuples. Entre danses urbaines et danses traditionnelles oubliées, Le Dernier Appel explore les interactions politiques et personnelles d'une émancipation actuelle et à venir, comme un appel ultime à remettre les choses en ordre et le signal d'un nouveau monde ! Agnès Izrine Distribution / Crédits

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Moi, Tituba Sorcière... Noire De Salem
from June 09, 2020 to June 11, 2020

Dans le cadre de la Saison Africa 2020 En retraçant l'itinéraire d'une esclave au XVIIe siècle, la chorégraphe et comédienne Danielle Gabou interroge dans cette création mêlant théâtre, engagement corporel et musique, la relation complexe entre les notions d'identité et de liberté. Comment une esclave devient-elle une femme libre ? Pour répondre à cette question, Danielle Gabou adapte à la scène le roman de Maryse Condé Moi, Tituba sorcière… Noire de Salem. Chorégraphe et comédienne, incarnant tour à tour tous les personnages, elle prend elle-même en charge dans l'espace du plateau le récit palpitant de Tituba, fille d'esclave née à la Barbade. Initiée aux pouvoirs surnaturels, Tituba servira plusieurs maîtres, à Boston et ensuite à Salem, avant d'être jetée en prison pour sorcellerie. En retraçant son parcours mouvementé, la comédienne donne à voir comment se construit l'identité de Tituba. Le texte a la forme d'une narration poétique restituée à travers un dialogue avec la musique interprétée au piano par Lise Diou-Hirtz. Proche de la transe, inspiré du film Mammy Water de Jean Rouch, le jeu de Danielle Gabou - à la fois homme, maître, esclave, femme ou petite fille - met en scène un corps qui danse pour évoquer ce qui est au-delà des mots, la quête éperdue de soi-même quand le corps se libère en brisant ses chaînes. Hugues Le Tanneur Distribution / Crédits

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Dust
from June 04, 2020 to June 06, 2020

Première en France Dancenorth Australia érige des murs pour mieux les faire voler en poussière afin qu'une nouvelle architecture organise au mieux un espace commun dirigé vers l'avenir. Une utopie dansée. Pour sa nouvelle création, Dust, la compagnie Dancenorth Australia a réuni son directeur artistique, Kyle Page, la directrice associée Amber Haines et le studio Liminal, célèbre pour ses propositions architecturales. Sur la scène, les murs délimitent des espaces dont chacun a hérité. On peut penser au mur de Berlin et à mille autres frontières, aux agencements urbains quotidiens qui déterminent nos déplacements, nos relations, notre temps. Mais la danse énergique et acrobatique de la compagnie, ainsi que la musique portée notamment par la Canadienne Jessica Moss, vont avoir raison de ces entraves. Grâce à une habile scénographie, le plateau qui implique le regard du spectateur est lui-même l'enjeu de cette transformation de l'espace. La poussière devient ce qui lie le passé au présent et au futur et devient la matière même de nos architectures personnelles. Marie-Christine Vernay Distribution / Crédits

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Des Gestes Blancs
from May 14, 2020 to May 20, 2020

Sur le plateau, un homme et un jeune garçon. Leur tandem complice dessine par le geste les liens complexes et sensibles de la filiation. Mieux qu'un simple spectacle, un « essai physique sur la paternité ». Il est très rare de mettre en scène son propre enfant. Mais le projet de Sylvain Bouillet, danseur, acrobate et chorégraphe, était précisément de questionner les lignes de force de la parentalité. Dans Des gestes blancs, il propose donc une variation ludique sur le jeu de forces, de déséquilibres et d'harmonie qui sous-tend sa relation avec Charlie, huit ans. Père et fils ont travaillé pas à pas, une année durant, au cours d'ateliers hebdomadaires pour construire ensemble ce duo singulier. Entre « désir de jouer à deux » et tendresse pudique, la pièce réussit le miracle de conjuguer la spontanéité de l'enfance et la précision de l'écriture. Elle explore la densité des corps, les contrepoids, les tensions. Elle revisite aussi la figure du porté, totem identitaire du ballet, qu'il soit classique ou contemporain, mais aussi situation commune à tous les jeunes parents. Surprenante, pleine de sens, sa démarche met en danse, selon la belle ambition du collectif Naïf production, « la gravité du monde ». Isabelle Calabre Distribution / Crédits

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Versus
from April 29, 2020 to April 30, 2020

Des corps comme fractionnés par la lumière, baignés de couleurs et libérés par leurs propres reflets, tel est Versus, dernier opus de Christophe Béranger et Jonathan Pranlas-Descours de Sine Qua Non Art. Un étonnant solo pour deux interprètes. La danse et la cinématique sont intimement liées par l'amour du mouvement. Réunies, elles incarnent l'extase des corps qui bougent, portés par la technologie électrique. Des corps fractionnés, diffractés, métaphore d'une révélation, qui, à la manière d'un bain photographique, est sur le point de faire apparaître leur vérité anatomique. Versus, mot qui renvoie toujours à l'autre dans son aspect opposé, répercute ces deux corps tramés de lumières, comme deux lames énigmatiques, ou deux versants d'un même personnage. Christophe Béranger et Jonathan Pranlas-Descours ont-ils imaginé un solo pour deux danseurs ou un duo pour un homme et son double ? Percevons-nous une fulgurance abstraite ou les états modifiés de notre conscience ? Les sources lumineuses de l'artiste visuel Étienne Rey nous offrent de merveilleux mirages, où les reflets se dissolvent et les corps deviennent évanescents. Enveloppés par une création musicale originale signée Damien Skoracki où l'électro côtoie les envolées baroques du ténor Edouard Hazebrouck, Versus porte un regard singulier sur la plastique du mouvement. Agnès Izrine Distribution / Crédits

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The Way You Sound Tonight
from April 24, 2020 to April 25, 2020

CHORÉGRAPHIE Arno Schuitemaker DRAMATURGIE Guy Cools MUSIQUE Aart Strootman LUMIÈRES Jean Kalman COSTUMES Jorrien Schoneveld AVEC Piet Defrancq, Stein Fluijt, Jade Stenhuijs, Revé Terborg, Ivan Ugrin PRODUCTION SHARP/ARNOSCHUITEMAKER COPRODUCTION CHAILLOT - THÉÂTRE NATIONAL DE LA DANSE / HOLLAND FESTIVAL / DANSBRABANT / LE PACIFIQUE CDCN GRENOBLE ARA EN COLLABORATION AVEC LE CCN2 CENTRE CHORÉGRAPHIQUE NATIONAL DE GRENOBLE SPECTACLE AYANT BÉNÉFICIÉ DU DISPOSITIF DE RÉSIDENCE LA FABRIQUE CHAILLOT (P.101) ET DU SOUTIEN DU DUTCH PERFORMINGS ARTS

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50 Ans De Création
from March 25, 2020 to March 28, 2020

Un rendez-vous avec la danse de l'Américaine Trisha Brown en trois temps : Set and Reset, Foray Forêt et le rare Groove and Countermove aux accents jazz. Une fête pour les yeux. Trisha Brown nous a laissé un legs fabuleux et autant de pièces ayant marqué l'histoire. Avec Set and Reset, créé en 1983, Trisha Brown convoque le plasticien et ami Robert Rauschenberg et la musicienne Laurie Anderson pour un ballet fluide, joyeux, intense. Ici, toute la fantaisie de la chorégraphe entre en résonnance avec la rigueur de son écriture gestuelle. Habillé des images de Rauschenberg, Set and Reset est un voyage perpétuel. Quelques années plus tard, Trisha Brown met en scène de « délicates aberrations », selon ses mots, pour signer avec Foray Forêt, une danse parfois énigmatique, souvent physique. Sur fond de forêt, la danse déploie ses charmes. Enfin Groove and Countermove, sur la partition jazz de Dave Douglas, est fait de contrepoints et autres lignes brisées. « Il s'agit là d'une grande métaphore de l'existence, des oppositions entre intérieur et extérieur, gauche et droite, hostilité et fraternité, ou, en fin de compte, du chaos de l'existence qui est au fondement de la forme que je raconte », dira Trisha Brown. Un bonheur retrouvé. Philippe Noisette Distribution / Crédits

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Acqua Alta
from March 25, 2020 to March 28, 2020

La compagnie Adrien M & Claire B explore le vivant, le mouvement et l'imaginaire des images en un parcours sensoriel composé de trois expériences. Développée dans un spectacle chorégraphique et numérique, un livre pop-up en réalité augmentée et une expérience de réalité virtuelle, la fiction déploie l'invisible. Un homme et une femme, face à la montée des eaux : tempête, mer d'encre, vagues déferlantes et fabuleuses méduses. Les images minimalistes animées en temps réel nous englobent dans une odyssée peuplée d'esprits polymorphes, d'entités indéfinies. Acqua Alta désigne ce récit vivant et son prolongement depuis d'autres perspectives. Dans Acqua Alta - Noir d'encre, Satchie Noro et Dimitri Hatton dansent l'équilibre face à la catastrophe, le dérisoire face au danger, la beauté. Avant ou après le spectacle, munis d'une tablette, regardez Acqua Alta - La Traversée du miroir, livre dont les dessins à l'encre de chine et les volumes en papier forment les décors de l'histoire visible en réalité augmentée. Puis, coiffés d'un casque de réalité virtuelle, découvrez Acqua Alta - Tête-à-tête et plongez au cœur même de l'histoire ; laissez-vous toucher, frôler, traverser. Claire Bardainne est plasticienne et scénographe, Adrien Mondot est informaticien et jongleur. Depuis 2011, ils créent ensemble des œuvres poétiques dans lesquelles les nouvelles technologies étoffent l'expérience perceptive, matérialisent ce qui se réalise au-delà de l'espace et de la temporalité du plateau, bien au-delà. Mélanie Jouen Au programme : Acqua Alta - Noir d'encre Un spectacle chorégraphique dans un espace numérique « vivant » où les images vidéo sont animées en direct. SPECTACLE à partir de 8 ans Salle Firmin Gémier / Durée 55 min Acqua Alta - La Traversée du miroir Un livre dont les dessins et les volumes en papier forment les décors d'une histoire animée, visible en réalité augmentée. LIVRE POP-UP EN RÉALITÉ AUGMENTÉE À PARTIR DE 8 ANS Studio Maurice Béjart / Durée 15 min / Accès libre sur présentation de votre billet Acqua Alta - Tête-à-tête Une expérience courte qui permet au spectateur, grâce à un casque de réalité virtuelle, de vivre l'une des scènes de façon immersive. EXPÉRIENCE EN RÉALITÉ VIRTUELLE À partir de 13 ans Studio Maurice Béjart / Durée 3 min / Accès libre sur présentation de votre billet Distribution / Crédits

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Nororoca
from March 18, 2020 to March 21, 2020

ARTISTE ASSOCIÉE Première en France Nororoca marque le point de départ d'une rencontre entre Lia Rodrigues et les danseurs de la compagnie nationale de danse contemporaine de Norvège, Carte Blanche. Cap sur l'ailleurs. Véritable compagnie de création, Carte Blanche, aujourd'hui dirigée par Annabelle Bonnéry, s'engage dans un voyage chorégraphique au long cours avec Lia Rodrigues. Nororoca, réunissant quatorze interprètes, va s'appuyer sur des principes d'improvisation développés par la chorégraphe pour sa pièce Pororoca, métaphore de la collision des différences. « La richesse de ce travail, qui s'amorcera par une résidence à Maré, le lieu de travail de Lia Rodrigues à Rio de Janeiro, réside dans la rencontre entre la chorégraphe et les danseurs. C'est une magnifique opportunité », résume Annabelle Bonnéry. Répété à Maré, puis à Bergen en Norvège, Nororoca est un dialogue entre les cultures. « Il me semble important de donner à voir des artistes engagés, ancrés dans leur temps dont la danse résonne avec une certaine physicalité. » Lia Rodrigues aime travailler sur l'altérité et le vivre-ensemble. Nororoca, comme Pororoca à sa création en 2009, devrait porter un regard sur l'autre. Et, au-delà, sur nous. Philippe Noisette Au programme : • Contre ceux qui ont le goût difficile de Lia Rodrigues « Qui sont les forts et qui sont les faibles dans ces deux mondes ? Et n'est-ce pas dans les rêves que des mondes nouveaux commencent à être bâtis ? » LIA RODRIGUES • Le Loup et l'Agneau de Béatrice Massin « Dans l'aventure des Fables, la danse baroque est un élément supplémentaire pour donner à La Fontaine sa véracité toujours présente. » BÉATRICE MASSIN • Le Corbeau et le Renard de Dominique Hervieu « Je rendrai hommage au souvenir, niché au cœur de ma mémoire d'enfance, de cette société fictive peuplée d'humains, d'animaux, de végétaux qui vivent, dialoguent, s'entredévorent. » DOMINIQUE HERVIEU Distribution / Crédits

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Fables à La Fontaine
from March 17, 2020 to March 21, 2020

Initiées par la Petite Fabrique d'Annie Sellem au début des années 2000, ces Fables de La Fontaine mises en danse par des chorégraphes enchantèrent le public. Reprise exclusive des versions de Lia Rodrigues, Béatrice Massin et Dominique Hervieu. « Chaque pièce est drôle comme est drôle le monde de l'enfance et sérieuse comme il est aussi », disait Annie Sellem, à l'initiative de ce projet. Les retrouver aujourd'hui en scène est un bonheur rare. Duo malicieux, Contre ceux qui ont le goût difficile permet à Lia Rodrigues de rendre un hommage à sa façon. « Nous nous sommes rapprochés de Jean de La Fontaine, ses inquiétudes, ses pensées et ses choix », précise la Brésilienne. « Les questions qu'il soulève m'ont permis de rencontrer des points communs entre la France des Louis, décrite et critiquée par la plume affûtée de La Fontaine, et les regards que nous portons et que l'on porte sur nous dansle Brésil d'aujourd'hui. » Béatrice Massin avait, quant à elle, choisi avec Le Loupet l'Agneau de montrer, par la richesse de la danse et de la musique baroque,la similitude des époques à travers le miroir du temps. Vidéo, coupages, collages… La Fontaine ne résiste pas à la fantaisie de Dominique Hervieu : le voilà vêtu d'un short et chaussé de baskets en hip hopeur endiablé. Le corbeau et le renard se font face dans un duo parfaitement enchaîné. On retrouve sur le plateau l'élégance d'une gestuelle éprise du passé, mais toujours aussi actuelle. Philippe Noisette Distribution / Crédits

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Whist
from March 10, 2020 to March 20, 2020

PREMIÈRE EN FRANCE Bienvenue dans la danse-théâtre du futur imaginée par Esteban Fourmi et Aoi Nakamura. Avec Whist, la réalité virtuelle augmente le mouvement. C'est à chaque spectateur suivant les pas d'une famille de devenir un témoin privilégié. Troublant. Esteban Fourmi est passé par le Conservatoire régional d'Angers puis a rejoint la Jasmin Vardimon Company à Londres. Aoi Nakamura a beaucoup dansé en Allemagne et au Royaume-Uni avant de croiser le chemin d'Esteban avec qui elle fonde AΦE en 2013. Le tandem entend repenser le format de la représentation en faisant entrer le virtuel dans la création, et Whist est une formidable carte de visite. À travers la vie d'une famille fictionnelle, s'inspirant des travaux de Sigmund Freud, AΦE fait entrer le spectateur dans une réalité augmentée. Trois personnages et soixante-seize perspectives différentes s'offrent ainsi à notre vue. Armé d'un casque de réalité virtuelle et d'écouteurs, le « visiteur » semble vivre un rêve éveillé au plus près des états d'âmes et de corps des personnages de Whist. « Le spectateur devient son propre chorégraphe et metteur en scène. Ses décisions influencent le cours du spectacle », résument les créateurs. Une plongée dans les méandres de notre conscience comme un dialogue entre technologie et art. Philippe Noisette Distribution / Crédits

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Vessel
from March 06, 2020 to March 13, 2020

artiste associé Après le choc Skid donné la saison passée à Chaillot, Damien Jalet présente Vessel, fruit d'une collaboration avec le plasticien japonais Kohei Nawa. Le danseur qu'était Damien Jalet s'est transformé en chorégraphe plébiscité. Des commandes pour des compagnies comme le GöteborgsOperans Danskompani, des collaborations avec Sidi Larbi Cherkaoui ou le réalisateur Gilles Delmas ont fait date. Vessel est né d'une rencontre avec Kohei Nawa, sculpteur visionnaire, lors d'une résidence à la Villa Kujoyama à Kyoto en 2015. Les deux artistes ont travaillé à partir d'un matériau japonais aux propriétés fascinantes, le katakuriko, sorte de fécule de pomme de terre à la fois solide et liquide, dualité que l'on retrouve dans le corps humain. « La sculpture et la danse ont toutes deux à voir avec le corps comme réceptacle des passions humaines », résume Damien Jalet. Ce « navire » parle de vie, de mort mais aussi des cycles pour créer une fusion dynamique entre le plateau et les corps des danseurs dans une transformation incessante des formes. Tout devient, sous nos yeux et dans un même élan, organique. Les identités se troublent, les tableaux sont vivants. Les sept danseurs sont « condamnés » à une forme d'anonymat car on ne voit quasiment jamais leur visage. Sur la musique du jeune compositeur Marihiko Hara et de Ryûichi Sakamoto, cette création a quelque chose d'extrêmement intime et sensuel, au service d'une forme de régénérescence. Embarquement immédiat. Philippe Noisette Distribution / Crédits

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Une Maison
from February 27, 2020 to February 29, 2020

Ce spectacle est présenté avec le ThéÂtre de la Ville dans le cadre de sa programmation « hors-les-murs ». une maison, nouvel opus du chorégraphe Christian Rizzo, est une communauté de danse et d'affects. Un rendez-vous au diapason du vivre-ensemble à l'heure de la mémoire. Bienvenue à vous. En quelques pièces, Christian Rizzo a réussi une exploration sensible des danses d'auteurs, des pratiques anonymes et traditionnelles. Il approche aujourd'hui d'autres continents d'horizons gestuels. une maison préfigure de nouvelles envies, de nouveaux enjeux chorégraphiques. « La question de la danse est très prégnante. Pour cette nouvelle création, il s'agit d'interroger ce qui me met en mouvement et ce que je mets en mouvement. J'aime beaucoup cette idée d'être à la fois volontaire et totalement involontaire dans ce qui me fait naître au mouvement », affirme Christian Rizzo. Réunissant quatorze interprètes en scène, sans oublier des complices de longue date, une maison se veut une communauté de pensée face à la disparition. « Je sens que c'est une pièce qui pousse de l'intérieur. » Pour le chorégraphe il y avait, au-delà, l'envie de réunir des « expériences plastiques, des danses, nouvelles, mais aussi inscrites dans le passé, de re-convoquer des choses. une maison comme un espace pour rassembler ce qui est parfois un peu éclaté ». Comme une danse en partage. Philippe Noisette Distribution / Crédits

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Ballroom
from February 26, 2020 to February 29, 2020

La fête bat son plein, les corps bougent à l'unisson. Dans Ballroom, pièce poétique et politique, le lâcher-prise l'emporte sur la nécessité du productif. Ou quand la danse fait communauté… Quel est votre exutoire ? Pour Arthur Perole, c'est une certaine intensité de vibration physique. Celle que produit la tarentelle italienne, danse traditionnelle des Pouilles assimilée à la transe, et le voguing américain, performance inspirée des défilés de mode à New York dans les années quatre-vingts. Croisant ces deux sources d'inspiration, le chorégraphe propulse ses six interprètes dans un flux ininterrompu de danse soutenu par les rythmes percussifs de la pizzica, de la techno et de la batucada. Dès l'ouverture des portes, les spectateurs sont accueillis dans l'atmosphère d'un zénith carnavalesque et tonitruant. Sur scène, on se grime, on fabrique des costumes à coups de ciseaux, on bouge, on parle, on interagit avec la salle. Puis, l'excitation viscérale se transforme, et la danse prend l'allure d'un rituel ancestral, primordial. Issu d'un long processus de création collective, Ballroom est un incroyable espace participatif de liberté, corporelle et psychique. Une utopie partagée. I.C. Distribution / Crédits

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